composición

Esto es un pequeña reflexión sobre mi estilo (si lo podemos llamar así) de fotografía personal. Probablemente incluso podemos decir que el artículo es irrelevante, por que a lo mejor de aquí a unos años cambio totalmente de opinión y dejo de lado las focales intermedias y me vuelvo a hacia los grandes angulares o más tele incluso. Pero desde hace algún tiempo suelo disparar teniendo a focales más “intermedias”, empezando desde los 30 hasta los 100 y poco. Mientras mis compañeros de aventuras fotográficas están como locos con sus 14–24 haciendo fotos, yo siento la necesidad de irme a la mochila y cambiar mi 17–40 por mi 70–200 en algún momento de la sesión fotográfica.

Yo como todo hijo de vecino cuando empezó mi interés por la fotografía de paisaje queriendo tener el mayor angular posible. Creo que después de un objetivo todo terreno y un 50mm, la primera lenta que compré fue un Tokina 11–16mm (de aquella época tenía un ASP-C). A día de hoy tanto el objetivo todoterreno como el Tokina ya fueron vendidos de segunda mano. Sigue conmigo el 50mm, que por lo que me costó, creo que es la lente que más beneficios por euro me ha dado.

Al principio, cuando cambié a full-frame hace unos años, pensaba que el hecho de que ahora todas mis lentes eran más ángulares que antes me hacía recurrir más al 70–200. Ahora mismo tengo otra teoría al respecto. Cuando uno está fotografiando una montaña o edificio o cualquier otra cosa grande al fondo, muchas veces al poner el gran angular esos elementos distantes quedan increíblemente pequeños, y mientras estoy en el sitio tengo la sensación de que no les estoy dando la importancia necesaria que se merecen en la imagen.

Pongamos un ejemplo, la siguiente foto fue hecha en la playa de Valdearenas en Cantabria. Cuando estaba haciendo esa foto lo que me llamaba la atención eran los acantilados que veía detrás. La roca que está en primer plano ayuda en la composición, pero si hubiese tomado dicha foto con un gran angular en vez de con mi 70–200mm (Lightroom me dice que la lente la tenía puesta a 100mm), esos acantilados serían muchísimo más pequeños de lo que se ven en la imagen.

Anochece en Valdearenas

Gris atardecer en la Costa Quebrada [Canon 5D Mark II con Canon 70–200f4L IS. Toma sacada a IS0100, f16 y 5 seg. Trípode y disparador remoto utilizado]. © David García Pérez 2015.

Otro ejemplo para ilustrar este artículo podría ser esta foto de los Cuernos del Paine. Esta foto está hecha con ese 50mm del que os hablaba antes. La foto dividida claramente en dos partes, en una donde vemos las consecuencias del terrible incendio que destruyó gran parte de la vegetación del parque natural de Torres del Paine hace unos años y un tercio de la imagen donde vemos claramente los Cuernos del Paine, unas majestuosas montañas que claramente dan impresión de lo grandes que son en la foto.

Después del fuego en los Cuernos del Paine

Después del fuego en los Cuernos del Paine [Canon 5D Mark II con Canon EF 50mm f/1.8 II. Toma sacada a IS0100, f14 y 1/6 seg. Trípode y disparador remoto utilizado]. © David García Pérez 2013.

Por supuesto, esto no quiere decir que no use grandes angulares, muchas veces es la única forma de meter todo en la imagen, otras veces es la única forma de destacar el primer plano como lo más relevante, otras veces tenemos un cielo tan espectacular que realmente es lo más importante de la imagen, que queden las montaña pequeñas en el encuadre, es simplemente para indicar donde hemos hecho la foto.

Cita

No importa lo violentamente que los fotógrafos estemos desacuerdo con aspectos de la composición, todos estamos de acuerdo en un punto: una imagen bien compuesta es más efectiva y crea una impresión más fuerte que una mal compuesta… el propósito de la composición es engrandecer el efecto de la imagen

Andreas Feininger

Alian Briot ha dedicado toda su vida a alcanzar la máxima calidad en las obras fotográficas que produce, principalmente centradas en reflejar la belleza de los grandes parques naturales de Estados Unidos. En este, su segundo libro sobre fotografía, el fotógrafo se centra en explicar y ayudarnos a perfeccionar la composición fotográfica, creatividad hasta lograr un estilo personal propio, eso sí, advirtiéndonos que este será un proceso de varios años que probablemente no consigamos terminar nunca.

El libro da gran importancia tanto a aspectos técnicos como artísticos, dejando claro el mensaje que para mejorar en este mundo que los anglosajones denominan Fine Art Photography, nunca debemos descuidar ninguno de los dos. Puede que tengamos una gran visión artística pero sin la técnica necesaria nunca seremos capaz de plasmarla a través de una fotografía y al mismo tiempo puede que hagamos fotografías técnicamente perfectas, pero sin una componente artística, dichas fotos difícilmente transmitirán algo al espectador.

El libro está dividido en 3 partes, una primera donde el autor se centra de entrada en aspectos técnicos de como ve una cámara y esta plasma las cosas en una fotografía, entendiendo las claras y obvias diferencias entre lo que la cámara ve una escena y como la ve el ojo humano. A partir de este punto ya empieza hablar de parámetros como luz, color, forma y como todo esto afecta a la composición de una imagen.

A partir de ese punto Alain Briot se centra en maneras de buscar inspiración fotográfica, dedicando diversos capítulos a ello. Todo hay que decir que al final de cada capítulo el autor propone una serie de ejercicios para consolidar los conocimientos expuestos. Tengo que confesar que no practiqué ninguno e ellos, así que no sé exactamente lo precisos que pueden llegar a ser.

La parte final del libro se centra en como reaccionar ante una audiencia que ve tus fotos o a la cual se las vendes. Tal vez esta sea la parte menos interesante para mí del libro debido a que ya me había leído el tercero de los libros de fotografía del autor: Marketing Fina Art Photography, donde entra en estos temas de una forma más detallada. Esta parte también incluye algunos consejos técnicos en Photoshop o Camera RAW para corregir imágenes, personalmente pienso que esa parte sobraba un poco, el libro ya era completo con las dos primeras secciones, y la parte de como tratar a tu audiencia.

De la contraportada:

Alain Briot states, «The personality of the photographer must be present in the image for an artistic photograph to have value». And in this book he sets out ot teach what is essential in achieving this goal».

Following his successful first book, Mastering Landscape Photography, Briot goes beyond the conventional rules of composition and takes on a fresh, new approach to teaching the art of phtography. Based on his personal experiences as an artist, teacher, and photographer, he opens new doors to the reader; doors leading to new ways of seeing ad composing images.

Briot approaches fina art photography as being a combinaton of art and technique, and in this books he addresses both. On the artistic side, Briot introduces artistic concepts that have been rarely, if ever, associated with photography. On the technical side, he presents numerosus tools that can help you learn to create better photographs and the provides technical solutions to common photographic problems.

The author practices phtography as fine art. What matters most to hims is how photography can be used to exress feelings and emotions. For Briot, a good photograph must be both artistically inspired and technically excellent. To have just one of these two elements is not enough for a fine art photography to be successful.

Cita

No intentaré producir trabajo significativo de algo si no estoy interesado en ello. Como mucho, podría producir una buena pero insignificante composición, algo como un discurso gramáticamente perfecto pero que no dice nada.

Bruce Barnbaum en su magnífico libro The Art of Photography: An Approach to Personal Expression (Photographic Arts Editions).

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