Este año el otoño está siendo bastante malo en general por la península ibérica… la sequía que llevamos sufriendo los últimos meses no ha ayudado a que nuestros árboles tomen esos colores intensos que tomaron con anterioridad. La hoja cambia más frecuentemente de verde a seco que pasando por esas fases de amarillos, rojos o naranjas intensos.

Esto no quiere decir que no desistamos de intentar fotografiar algo, pero habitualmente es algo más centrado en detalles que el gran paisaje otoñal que tal vez estemos soñando con fotografiar.

Este sábado pasado me pasé por el Montseny, uno de los hayedos más famosos y visitado constantemente por aficionados y profesionales de la fotografía. Era más una excusa de conocer a gente nueva y volver a ver amigos que hacía tiempo que no quedábamos para fotografiar juntos.

Mientras hablábamos de nuestras cosas y manteníamos un ojo en lo que hacían los demás… llegó el momento de improvisar y tomar esta foto. Tanta historia de lentes nítidas, trípodes estables, etc., para después hacer la foto a pulso moviendo la cámara de arriba a bajo durante medio segundo de exposición.

Otoño abstracto en Montseny [Sony A7 II (Amazon, eBay) con Canon 70-200 f4 IS L (Amazon, eBay). Foto sacada a ISO100, f13, 0,5 segundos de tiempo de exposición. Trípode y disparador remoto utilizado]. © David García Pérez 2017.

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A través de mi canal de YouTube me llega la siguiente pregunta:

Hola, no cuento con mucho presupuesto y mi pregunta es: ¿Invierto en un monitor que llegue a un 100% sRGB, 100% Adobe RGB, un calibrador de monitor (como el que recomiendas en tu video) o mejor agarro mi mac con mi pantonera? Tengo duda, ya que he leído muchos artículos y la verdad que hasta el día de hoy no se exactamente que es lo que ayuda mejor con el trabajo del color, porque por ahí me dijeron que al final no importa ninguno de esos factores, que lo que importa es si la imprenta usa calibración buena (es decir que la imprenta-impresora este bien calibrada). Espero puedas ayudarme con mis dudas. Gracias.

Respuesta después de la imagen:

Svöðufoss [Sony A7 II (Amazon, eBay) con Canon 70-200 f4 IS L (Amazon, eBay). Foto sacada a ISO100, f11, 0,6 segundos de tiempo de exposición. Trípode y disparador remoto utilizado]. © David García Pérez 2017.

Todos los factores importan. Es muy importante que el plotter que usen donde imprimas las fotos tenga un perfil de color correcto para el papel que se emplee. Pero aún así, si tú en tu foto ves un color naranja, cuando realmente en el archivo de la foto va un color rojo. En la imprenta más perfecta del mundo se va a imprimir un color rojo… lo que tenga el archivo, no lo que tu veas en tu monitor.

En cuanto al monitor. Depende lo que tengas. Si es un portátil Mac, las pantallas de portátil son bastante limitadas, así que a lo mejor te convendría mirar un monitor. De lo más económico que conozco que funciona bien (no lo he probado nunca, pero por lo que he leído) es el Benq SW2700. Si tienes uno de los últimos iMac. La verdad es que ahora montan un panel que da el 100% de sRGB y, aunque no llegan al del Adobe RGB, no se deben quedar muy lejos.

En ambas situaciones, si que te recomendaría que te recomendaría que pillaras un calibrador como el X-Rite iDisplay Port. Incluso si al final sigues solamente con una pantalla de portátil.

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Uno de los conceptos que a la gente más le extraña cuando empieza en fotografía es el de Balance de Blancos o el ajuste de Temperatura y Matiz después cuando editamos nuestras fotos en Lightroom. En el siguiente vídeo os explico todo lo que necesitáis saber para entender perfectamente el concepto:

En el vídeo aparece el X-Rite ColorChecker por si queréis echarle un vistazo. También tengo un artículo donde lo utilizo para perfilar la cámara.

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En este vídeo explico como crear un perfil de color empleando el Adobe DNG Profile Editor junto con el X-Rite ColorChecker Passport (también podemos usar el X-Rite ColorChecker que es algo más barato pero menos versátil). El objetivo es conseguir que la cámara saque las fotos lo más fiel posible.

Personalmente que las fotos sean fieles en color no es crítico para mí, sin embargo muchas veces me cuesta conseguir en la foto los colores que yo recuerdo de dicha escena. Con esta utilidad espero poder, en imágenes complicadas, mejorar mi revelado final de la misma.

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El pasado mes de febrero, visitando por trabajo Londres, aproveché la oportunidad para ver varias exposiciones fotográficas. Entre ellas estaba Drawn by Light organizada por la Royal Photography Society y expuesta en The Science Museum. La colección era espectacular y con grandes historias detrás de cada fotografía expuesta de las que tome nota de unas cuantas para escribir aquí. Pero las notas se quedaron en una libreta hasta que hoy me las recordó un amigo a través de Facebook.

La exposición estaba promocionada por una fotografía de una joven chica bajo una saturada capa roja. Uno simplemente asumió que la fotografía era actual o si tal de finales del siglo pasado. Gran error por mi parte, la fotografía fue tomada en 1913 por Mervyn Joseph Plus O’Gorman.

Si uno se va a hasta la página de la wikipedia de O’Gorman, realmente lo que menos hacen referencia es a su faceta artística. O’Gorman era un ingeniero eléctrico bastante reconocido en su época por su trabajo en la Royal Aircraft Factory, especialmente cuando la aviación estaba en su infancia y a punto de tener un papel relevante durante la primera guerra mundial.

Para su trabajo artístico, entre otros, dedico gran parte de su tiempo a la fotografía. Fue uno de los fotógrafos pioneros en trabajar en color, empleando la técnica que se conoce como autocroma. En concreto empleaba una de las primeras cámaras comerciales en color, diseñada por los hermanos franceses Lumière (sí, los mismos del cine…).

En el caso de las fotografías que decoran este artículo, se tratan de fotos realizadas a su hija Christina en la playa de Lulworth Cove, en Dorset (muy conocida por los fotógrafos de paisaje ingleses). Christina iba vestida con un traje de baño de la época y una capa, ambos de color intenso rojo, que favorecía mucho la forma de capturar color de este tipo de cámaras.

Vistas las reproducciones en grande de dichas fotos en el Science Museum de Londres, realmente me parece increíble que estemos hablando de 1913. Podéis observar la serie entera aquí: The Dawn of Colour – Celebrating the Centenary of the Autochrome – National Media Museum.

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Jay Maisel es probablemente uno de los referentes actuales de la fotografía. Muchos de los fotógrafos que admiro y sigo siempre comentan orgullosos que ha asistido a alguno de los cursos que Jay imparte, o que en algún momento de su vida ha sido mentor suyo. Así que cuando vi que había sacado un libro sobre su forma de trabajar y aproximarse a la fotografía, sabía que tenía que comprarlo (el hecho de que compro casi todo libro de fotografía que pasa por delante de mis narices también puede que tenga algo que ver).

El título del libro no puede ser más oportuno: Light, Gesture & Color (luz, gesto y color). Estos son los tres pilares en los que se basa la forma de aproximarse a la fotografía de Jay Maysel. Para él el resto de las cosas no son relevantes. Una buena fotografía según él tiene alguna de estas cosas, una muy buena fotografía tiene dos, raramente comenta que consigue tener las tres en la misma foto.

Pero vayamos por partes, luz y color probablemente sean lo más fácil de describir. Después de todo, cualquier aficionado a la fotografía entiende la importancia de la luz. Aunque hay que decir que Jay se ríe del concepto de mala luz.

Una de las primeras cosas del Génesis es: “Y Dios dijo, ‘¡Qué se haga la luz!’; y la luz se hizo, y Dios vio que aquello era bueno…” Desde ese momento, los fotógrafos se han quejado sobre la “mala luz”.

Color es un término ambiguo. Color puede ser un montón de colores en una imagen o solamente uno. Puede ser la ausencia de color. Puede ser la yuxtaposición, así como colores complementarios.

Y nos queda Gesto. Gesto puede tratar sobre las formas de las cosas, o no. Gesto puede ser una expresión de una persona, pero también se lo podemos atribuir a cosas en las imágenes. Puede ser lo que la propia imagen nos quiera decir… los pequeños detalles que vemos en las imágenes, o los que nos atrae hacia ellas… O tal vez no me quedase nada claro después de leer el libro.

Sin embargo lo que más me gustó sin lugar a dudas, a parte de algunas de sus fotos, es su aproximación a la vida a través de la fotografía. Jay Maisel piensa que planificar una foto, prepararnos para ir a fotografiar algo, nos crea condicionantes que nos impiden ver las posibilidades fotográficas de un lugar.

Para Jay lo único que un fotógrafo debería hacer es sencillamente andar con una cámara encima en todo momento. Eso es lo que hace, cada vez que baja a comprar el pan, baja con la cámara. La cámara es una extensión de él, y cada vez que algo le llama la atención, lo fotografía. Tiene la filosofía de que si no se dispara en el momento se pierde la oportunidad de hacerlo después, y puede que esa oportunidad desapezca.

Te queda claro que esta forma de aproximarse a la fotografía también es la forma en la que se aproxima a la vida. Le encanta ver las cosas que nadie ve, o las que ya han visto todos anteriormente incluido él. Reflejar esos pequeños detalles a través de la fotografía y conservar esa belleza de forma eterna.

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Intento no decirle a mis estudiantes donde fotografiar, cuando fotografiar, o qué fotografiar. Creo que encontrar una imagen es lo más importante de ser un fotógrafo. Hacer la foto es realmente lo menos importante.

Jay Maisel en su libro Light, Gesture & Color.

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Cuando fotografiábamos en película, alguien en Rochester, Nueva York, o en Tokio, tomó la decisión de como la película iba a reproducir el color, ahora con la fotografía digital nosotros tomamos esa decisión.

Michael Reichmann.

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La fotografía en blanco y negro es como un chiste interno, es un pequeño secreto entre fotógrafos, es algo como: «te voy a mostrar esta cosa, pero ambos sabemos que el mundo no es blanco y negro, así que ahora que te lo estoy mostrando en blanco y negro soy libre de abstraerlo por que no hay ninguna referencia con la realidad,» por eso digo que es un chiste interno. En color, por otro lado, se presupone que siempre vas a conseguir el color que hay ahí, pero tú nunca vas a conseguir el color que hay ahí, sino una aproximación hasta el grado de que, sí la replica de color es importante para ti, vas a estar todo el rato frustrado, dado que nunca lo vas a conseguir, lo que sí puedes es conseguir la sensación de lo que había ahí.

Jay Maisel

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