Ya hace unos meses comencé una pequeña serie de vídeos hablando del concepto de paso de luz, dónde explicaba de forma breve lo que era la apertura, tiempo de exposición y ISO. Después continué con 4 vídeos alrededor del concepto de apertura: apertura, difracción, círculo de confusión y distancia hiperfocal. En el vídeo que podéis ver a continuación entro en detalle en el concepto de “Tiempo de Exposición”, principalmente mirando desde el punto de vista de la fotografía de paisaje.

Durante el vídeo menciono el problema de Rolling Shutter a la hora de grabar vídeos, aquí podéis encontrar más información: el efecto rolling shutter.

En el vídeo también menciono varias cámaras (estos son enlaces de afiliación con Amazon): Sony A7r, Sony A7r II, Nikon D810, y Canon 5Ds. También salen en el vídeo las siguientes lentes: Panasonic 20mm f1.7 y Canon 70–200f4 L IS.

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Ya hace unos cuantos años publiqué en este blog un vídeo explicando el concepto de un paso de luz. En el siguiente vídeo vuelvo a explicar este concepto de una forma más extensa. Principalmente relacionándolo con ideas como un estabilizador de una lente, un filtro de densidad neutra, HDR, etc…

Puede que me enrollase de más explicando un poco en detalle conceptos como apertura, tiempo de exposición o ISO.

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Tal vez uno de los trucos que antes aprende la gente cuando empieza con fotografía de paisaje es lo de crear el denominado «efecto seda» cuando se fotografía agua. Es uno de los efectos fotográficos más fáciles de hacer, tal vez increíblemente abusado por todos nosotros, pero que tal vez sea increíblemente gratificante de conseguir dado que es una de esas realidades que nuestros ojos no pueden ver, y solamente una cámara fotográfica es capaz de mostrar.

¡Qué lo disfrutéis!

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Ya en su momento hablé de las ventajas de levantar el espejo cuando disparamos en trípode sin entrar en mucho detalle de por qué esto era debido. Hace casi ya un mes en un curso fotográfico de Iñaki Relanzón para MontsantFoto me acordé de que podía tratar este tema en un poco más de profundidad, aunque solamente se trate de un par de párrafos más y una gráfica.

O Roncudo despidese do Sol, © David García Pérez 2012.

La mayor parte de las cámaras reflex para poder mirar a través del visor óptico contienen un espejo. Este espejo se coloca entre el sensor y la lente, permitiendo que la luz que entra por esta última ser desviada hasta el visor. Cuando pulsamos el disparador, este espejo se aparta del medio para dejar que la luz pueda llegar hasta nuestro sensor. Ese movimiento que se hace muy rápidamente puede provocar vibraciones que se transmitan a través de todo el cuerpo de la cámara pudiendo resultar en una foto movida (si tenemos el liveview de la cámara activado, este espejo ya está levantado).

La perdida de calidad a través de las vibraciones que pueda introducir el levantamiento del espejo a la hora de hacer la foto dependerá de la velocidad a la que estemos disparando y también de nuestra cámara. Dependiendo de la cámara esta vibración durará más o menso, tal como demuestra el caso hipotético mostrado en la siguiente gráfica.

Ejemplo hipotético donde el levantamiento del espejo introduciría vibraciones significativas las primers décimas de segundo de la toma.

Así como regla a tomar con precaución podemos decir que la vibración del espejo afecta más a las zonas intermedias (si estamos disparando con trípode), para velocidades altas como puede ser 1/500 segundo, la foto ya está hecha antes de que la vibración del espejo pueda influenciar el resultado. Para velocidades muy largas, como 30 segundos, la vibración que pueda introducir el espejo al principio de la toma es insignificante. Pero para velocidades como 1/10 dependiendo en una cámara reflex de 35 mm actual, puede hacer que nuestra foto sea solamente vibración. Pero como digo, esto depende de la cámara, la antigua cámara de medio formato Pentax 67 tenías que dejarla más de 15 segundos reposar después de levantar el espejo para que las vibraciones introducidas por este no afectasen a la imagen final.

Nota: Por reflex entendemos aquellas cámaras que a través de un visor nos permiten ver la imagen que entra por la lente de nuestra cámara. Pero curiosamente con el paso del tiempo y el avance de la tecnología esto no involucra que la cámara tenga un espejo. Si obviamos las cámaras con visor electrónico, donde la imagen capturada por el sensor es mostrada a través de una pequeña pantalla situada en el visor, con lo cual no hace falta ni pentaprisma ni espejo por el medio (esto ayuda a fabricar cuerpos más compactos), tenemos el caso de Sony con su tecnología de espejo traslucido, donde el espejo es fijo y deja pasar al mismo tiempo luz hasta el sensor y al visor óptico.

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Tengo una pequeña debilidad o defecto, cada vez que veo algún ebook autopublicado en algún blog que me interese lo más mínimo lo acabo comprando, siempre me digo, mira sí son 4, 5, ó 9 dólares, por ese precio!!! Al final he acabado con un montón de libros electrónicos que poco a poco voy leyendo. Una de mis últimas adquisiciones es Photographing the 4th Dimension – Time por Jim M. Goldstein, libro recomendado por muchos blogs de fotografía que sigo (y precisamente no tan barato como he comentado al principio de este texto).

Jim M. Goldstein centra este libro en uno de los aspectos más vistosos de la fotografía: captar la dimensión temporal de las cosas, ya sea para mostrar agua o nubes en movimiento, movimiento de personas, coches, timelapses, o conseguir una foto impresionante como la que aparece en la portada del ebook, donde se ven el movimiento de las estrellas (bueno, realmente lo que se mueve es La Tierra). Aunque el libro se centra únicamente en la parte técnica de como lograr esas fotos, siempre aconsejo que nunca olvidéis la composición, un efecto bonito cansa después de verlo repetido varias veces, si la composición de la foto no tiene fuerza.

El libro está estructurado en varias secciones, empezando por un par de ellas que a mucha gente le podrán parecer muy básicas, especialmente dedicadas a temas de exposición. El autor invita al lector a saltarse esas partes si ya tiene claros los conceptos. Dentro de cada sección, para cada tipo de fotografía, el autor presenta guías paso a paso de como tomar cada foto, desde el equipamiento a usar, consideraciones sobre la exposición, o programas posteriores para procesarlas.

Después de esta pequeña introducción básica sobre exposición empieza la parte interesante del libro, las guías paso a paso. Las guías van desde timelapses a fotografías circumpolares, pasando por las típicas dónde se ve el efecto seda en el agua, o fotografía nocturna pintando con flashes o lámparas led. En cada una de estas guías el autor da consejos sobre material a utilizar. Guías de fácil lectura y con consejos prácticos para conseguir los resultados deseados. Simplemente le falta recomendar un buen libro para leer mientras esperamos a que nuestra cámara termine de sacar la foto circumpolar.

De la página web del libro:

No matter your skill level, this book will help you improve your photography and heighten the impact of your photographs by introducing you to numerous slow shutter and video techniques. Learn how take beautiful pictures of the stars and show their movement. Enjoy exploring the powerful time compression capabilities of time lapse photography. Learn about light painting and using simple and relatively cheap LEDs to bring new life to your extended exposure night photography.

Learn, step by step what photographic equipment and software will allow you to successfully employ the many photography techniques used by the pros. To put you on a fast track to success, potential pitfalls and down to earth solutions are provided for each technique discussed. This information will save you time and reinforce your understanding of the techniques discussed.

SPECIAL BONUS: To help you improve your photography and better retain the lessons within the eBook, a handy quick reference Field Guide is included containing technique summaries, tips and exposure tables.

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Con este artículo toco el último de los parámetros que controlan la exposición de una fotografía, el tiempo de exposición, el tiempo que se deja el obturador de la cámara abierto para que el sensor digital, o la película, reciban la luz necesaria para grabar la imagen.

Básicamente el tiempo de exposición nos puede determinar una foto movida a una foto no movida. Existe la regla de que si tienes una lente de por ejemplo 50 mm, tienes que disparar al menos, si no usamos trípode, con una velocidad de 1/50 segundos para que la imagen no salga movida. Bien, eso si no se mueve nada durante la toma. Para fotografiar cosas moviéndose, como puede ser en un evento deportivo, necesitaremos velocidades más altas si queremos congelar el movimiento. Como realmente soy la persona menos indicada para hablar de este tipo de fotografía, no voy a entrar en más detalles.

En la fotografía de paisaje, que es particularmente la que mí me interesa, el tiempo de exposición a parte de controlarlo cuando las hojas de los árboles no se están quietas con el viento, también se puede emplear de forma artística, principalmente con agua y nubes. Fijaos como cambia el agua en esta foto según voy haciendo que el tiempo de exposición cambie de 1/60 segundos, a 1/8 de segundos, a 0.5 segundos (obviamente con la cámara bien fijada a un trípode)

Tiempo de exposición 1/60 segundos (Canon 40D, Canon 70-200F4L IS, f11, ISO100).

Tiempo de exposición 1/8 segundos (Canon 40D, Canon 70-200F4L IS, f11, ISO100, Filtro Lee ND4).

Tiempo de exposición 0,5 segundos (Canon 40D, Canon 70-200F4L IS, f11, ISO100, Filtro Lee ND8).

Básicamente el agua al moverse crea ese efecto de seda, la cámara al estar captando la imagen por tanto tiempo está sacando el agua movida. Y por último este ejemplo donde las nubes están completamente en movimiento, para ello usé el filtro Lee Bigstopper, que incremente 10 veces el tiempo de exposición necesario para realizar la fotografía, creando una imagen mucho más dramática.

Illas Sisargas. Tiempo de exposición 156 segundos (Canon 40D, Canon 17-40L, f11, ISO100, Filtros: Lee Bigstopper y Polarizador Heliopan)
© David García Pérez 2010.

Este artículo cierra la pequeña serie básica sobre los elementos que controlan la exposición en una fotografía, comenzada por el artículo: La tríada: Apertura, Tiempo de Exposición y ISO y continuada por los artículos específicos: Apertura y ISO.

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En un artículo anterior comenté la relación entre la apertura, tiempo de exposición y ISO a la hora de controlar la exposición de una fotografía. Pero realmente lo que interesante de estos parámetros es saber como afecta cada uno de ellos a la fotografía final, en particular desde el punto de visto artístico. Y nada mejor que la apertura para comenzar esta discusión.

Como ya comenté anteriormente, la apertura viene a controlar el tamaño del agujero por donde pasa la luz a través de la lente hasta llegar al sensor. Dicho tamaño viene controlado por una pieza de hardware que se llama iris en la lente. Que este agujero esté más abierto o cerrado hará que la imagen tenga más o menos profundidad de campo. Donde la profundidad de campo es la distancia a partir del punto de enfoque donde las cosas están o no enfocadas (válgame la redundancia). Cuanta más abierta esté la lente, valor de f más bajo (f1.4, f2…), menos profundidad de campo, cuanto más cerrado esté la lente, valor de f más alto (f11, f16…) más profundidad de campo.

Pero esto siempre se entiende mejor con un ejemplo, y no podría ser mejor ejemplo que un clásico para explicar este concepto, unas pinzas de la ropa puestas en fila. Empecemos con la primera imagen con la lente abierta lo máximo posible, en este ejemplo usaremos un Tamron 90mm que tiene una apertura máxima de f2.8 (por máxima entendemos lo máxima que se puede abrir la lente, en este caso será su valor de f más bajo que permite).

Imagen ejemplo con apertura f2.8. © David García Pérez 2011.

En este caso he enfocado la cámara en la segunda pinza, más en concreto en la esquina de la pinza, justo en el punto donde está la barrita metálica. Como se puede observar, la profundidad de campo es muy pequeña, realmente solamente vemos definida bien una porción muy pequeña de la segunda pinza.

Imagen ejemplo con apertura f4. © David García Pérez 2011.

Segunda imagen, de esta vez la lente está parada 1 paso más de luz, es decir f4. Se observa una ligera mejora con respecto a la imagen anterior, la segunda pinza casi empieza a estar enfocada y empezamos a distinguir un pelín mejor los detalles de la primera.

Imagen ejemplo con apertura f5.6. © David García Pérez 2011.

Tercera imagen, ahora cerramos la lente otro paso de luz más, es decir, estamos a f5.6. Ahora ya vemos bien la segunda pinza y se empiezan a distinguir más las pinzas del fondo. Continuemos.

Imagen ejemplo con apertura f8. © David García Pérez 2011.

Ahora hemos cerrado la lente hasta f8, y como se puede observar hay mejoría con respecto a la definición de las pinzas que hay a partir de la segunda pinza.

Imagen ejemplo con apertura f11. © David García Pérez 2011.

Imagen ejemplo con apertura f16. © David García Pérez 2011.

Para no repetirme mucho ya os pongo las dos últimas imágenes juntas. A f11 hay una mejora significativa, pero es casi a f16 donde se puede apreciar como realmente tenemos mucha más profundidad de campo.

Una cosa que hay que explicar es que tenía la lente bastante pegada a las pinzas, por ese motivo al cerrar más la lente, la profundidad de campo no aumenta mucho. Es también por ese motivo que la primera imagen tiene un desenfoque tan marcado, haciendo que la vista vaya directamente a la segunda pinza.

El párrafo anterior desvela exactamente la utilidad de la apertura. El objetivo del fotógrafo con ella es centrar la atención en algo en la imagen, haciendo que el resto de la escena no llame la atención al estar desenfocado. Es por este motivo que la gente que realiza retratos les guste mucho las lentes que abran más, dado que de esa forma la imagen se centrará mucho más en la cara del sujeto a tratar y el fondo quedará difuminado. También es el mismo motivo por qué los fotógrafos de paisaje no es un parámetro críticos para ellos, dado que lo que buscan, habitualmente, es tener cualquier cosa que salga de la lente totalmente enfocado.

Para ilustrar lo anterior el siguiente ejemplo, fijaos como la vista se os centra en la abeja y la flor, no en las plantas completamente difuminadas que hay de fondo, incluso en el segundo insecto, que me quedó un pelín desenfocado.

Abella nas Illas Cíes (f2.8). © David García Pérez 2009.

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En todos los artículos que hice sobre histogramas siempre decía que eran críticos para exponer correctamente en la fotografía digital, pero tal vez fui demasiado deprisa, por que se me olvidó contestar dos preguntas más críticas: ¿Qué es epxosición? ¿Y qué parámetros la controlan?

Mientras preparaba este artículo, buscando información por internet y en libros, encontré una explicación de exposición en fotografía, y desde que la leí no he encontrado ninguna forma de explicarlo mejor que esa definición. Así que con permiso de la gente de Cambridge en Colour voy a usar su mismo símil, imaginaos la exposición como un cubo. ¿Lo veis ya? Bueno, hay que añadir algunos detalles más.

Tenemos nuestro cubo, y con él queremos recoger agua de lluvia. Pero aquí es donde entran los matices, con nuestro cubo no queremos recoger muy poca agua, dado que eso nos dará una imagen subexpuesta, ni tampoco queremos que el agua sobrepase el límite del cubo, que en dicho caso tendremos una imagen sobreexpuesta. Ahora bien, en dicho proceso podemos alterar varios parámetros del cubo, podemos escoger la capacidad del cubo, podemos escoger su ancho, con lo cual, si lo hacemos más ancho, necesitaremos tener menos tiempo el cubo bajo la lluvia para llenarlo, o si es más estrecho más tiempo. Lo mismo, si la cantidad de agua que puede recoger de máximo el cubo es mayor o menor tendrá que estar más o menos tiempo a la intemperie.

En la fotografía, los tres parámetros del cubo descritos anteriormente tienen un equivalente directo, el ancho del cubo es la apertura, la cantidad de agua que puede recoger el cubo es la sensibilidad o ISO, y por último, el tiempo que dejamos el cubo a la intemperie será el tiempo de exposición. En el caso de la cámara, en vez de recoger agua de lluvia, lo que recogemos es luz.

Ahora simplemente hay que ver que es ese cubo en nuestra cámara. La apertura define el tamaño del orificio que está abierta la lente, y básicamente será el orificio a través del cual entra la luz. El tamaño de este orificio, tal como había descrito en el artículo sobre paso de luz, viene definido por la unidad f-stop. Se suele definir en fracciones, imaginaos una apertura de valor f/1, y empezamos a cerar poco a poco el orificio, por ejemplo hasta f/1.4, un poquito más, f/2, y mucho más ya podría ser f/11. Cómo observáis, tanto en el texto anterior como en la figura que hay a continuación, cuanto más grande es el número más pequeño es el orificio o apertura. Es un poco contraintuitivo, más aun que por simplificar, mucha gente y fabricantes simplemente escriben f2, f4, etc..

Ilustración del tamaño relativo de la apertura de una lente.

En resumen, cuanto más grande sea el orificio, o «más abierta esté la lente,» menos tiempo tiempo tendrá que estar el sensor expuesto a la luz para recoger la misma cantidad de la misma, por seguir el símil de nuestro cubo con el que empezamos.

Después tenemos el ISO o sensibilidad. Esto lo que hace es que nuestro sensor sea mucho más sensible o menos que la luz. Se mide en unidades ISO, cuanto más alto sea el número, más sensible a luz será nuestro sensor y por lo tanto menos tiempo tendrá que estar expuesto a la luz para conseguir la misma exposición. Cada vez que se dobla el valor del número ISO, por ejemplo, pasar de ISO100 a ISO200, se deja pasar el doble de luz, o de lluvia, siguiendo de nuevo el ejemplo de nuestro cubo.

Por último nos queda el tiempo de exposición, que como su nombre indica define el tiempo que nuestro sensor va a estar expuesto a la luz, o nuestro cubo a la lluvia. Como veis, este tiempo viene definido tanto por la apertura como la sensibilidad para conseguir una exposición, si dejamos insuficiente tiempo tendremos una subexposición, y si dejamos demasiado tiempo tendremos una sobreexposición (en las imágenes ejemplo del artículo: Histograma: Entrada Básica, quedan claros ambos conceptos). Estos tres parámetros siempre hay que tenerlos presentes en cualquier momento que queramos hacer una fotografía.

Hasta aquí este pequeño artículo introductorio, ahora queda explicar en detalle que efectos tendrá para nuestras fotos escoger un valor u otro, por qué muchas veces no es lo mismo hacer la foto a f1.4 que a f16 (veis, yo también me olvido de las fracciones), a ISO100 que a ISO6400 según la cámara, o exponer un tiempo de 1/500 segundos a 30 segundos, particularmente si hay cosas moviéndose en la escena.

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