Casi de rebote, buscando información sobre una cámara en concreto, llegué hasta la revista británica On Landscape. Una revista de subscripción que publica una serie de artículos cada mes centrados en exclusiva en la fotografía de paisaje, algo realmente raro en revistas de fotografía. La idea de la revista viene de la mano de Tim Parker y del fotógrafo de paisaje más famoso de todo el Reino Unido, Joe Cornish.

Otoño en Selva de Irati [Canon 5D Mark II con Canon 50mm f1.8 mark II. Toma sacada a IS0100, f16 y 1,6 seg. Trípode y disparador remoto utilizado]. © David García Pérez 2014.

Desde que he pagado mi subscripción cada poco me voy bajando los PDFs de cada número de la revista (83 llevan ya), y poco a poco voy leyendo artículos cada vez más interesantes. Principalmente me estoy maravillando con la gran cantidad de fotógrafos europeos de paisaje que estoy descubriendo, probablemente culpa mía dado que la gran mayoría de fotógrafos que seguía eran estadounidenses o canadienses.

La verdad es que este toque europeo me esta resultando de lo más refrescante, no sé si es por que la mayor parte de las fotografías son de este lado del atlántico, de lugares a los que no estoy tan acostumbrado a ver, o tal vez que la escuela británica de fotografía tiene un toque mucho más intimista que la variante americana.

Sea como fuese, mi cartera ya está más ligera con el pago de una subscripción anual a esta revista. El precio merece la pena para ver el trabajo de grandes fotógrafos, localizaciones europeas y de vez en cuando artículos técnicos o curiosos como la forma de predecir el tiempo mirando nubes o por qué las hojas cambian de color en otoño.

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Ya hace muchos años que sigo al fotógrafo David duChemin. Empecé a seguirlo cuando simplemente blogueaba de sobre su fotografía, sus proyectos, etc. A pesar de que el tipo de fotografía que hacía casi de forma en exclusiva por aquel entonces no me interesaba mucho, la forma en la que escribía hizo que su blog se convirtiese en uno de los que tengo desde siempre de referencia. Desde la envidia ha sido uno de los modelos a los que intentar seguir, sin mucho éxito por mi parte, todo hay que decirlo.

He leído casi todos sus libros (curiosamente el anterior al que estoy comentando aquí, A Beautiful Anarchy, se me pasó completamente su publicación), su blog, la revista de fotografía que publica y, por su puesto, muchos de los ebooks que publica a través de su editorial Craft&Vision.

Este último libro, publicado directamente como ebook ya sea en su tienda o a través de Amazon, David habla de dinero. Sí, de como conseguir que una persona que decide dar el salto a ser «artista», bastante centrado en el ejemplo de los fotógrafos/as, pueda llegar a ganarse el pan con su talento y no morir de hambre.

La época nunca ha sido mejor para gente creative comparta su trabajo y su valía con el mundo. Las oportunidades que provee el mundo on-line y acceso que proporciona a una inmensa audiencia es increíble.

How to Feed A Starving Artist de David duChemin.

Curiosamente el libro comienza pidiendo perdón por hablar de dinero, ese tema que a todo el mundo, sobretodo los que somos la gente de a pie no le gusta hablar. David empieza hablando de su caso personal. Para los que no lo sepáis, David duChemin antes de ser fotógrafo fue humorista, y a pesar de un éxito inicial, por malas predicciones en el futuro le llevaron a endeudarse demasiado y finalmente tener que declararse en bancarrota para poder salir del paso. Gran parte del discurso del dinero gira alrededor de esa idea, de lo mucho que nos cuesta hablar con otras personas de nuestra situación económica, sobretodo si es mala, por la vergüenza o incomodidad que sentimos.

Tal vez para la gente que no tenga problema económicos este primer capítulo centrado en como salir de la deuda que uno, como artista o no, se ha metido, no le interese mucho. Pero David usa ese argumento después a lo largo del libro para comentarnos diversas estrategias que él personalmente sigue (incluyendo una serie de referencias bibliográficas para quien quiera profundizar más en el tema), o ejemplos de otras cosas que compañeros fotógrafos por él siguen, para evitar tener que recurrir al crédito para poder conseguir hacer el trabajo artístico que queramos hacer.

Después de estas estrategias de ahorro, el libro comienza a centrarse en conceptos más interesantes, básicamente hacer dinero. Fomenta su argumento básico en por dos ideas, por un lado diversificar nuestras fuentes de ingresos y por otro lado lo que denomina ganancias «residuales» (aunque el término no le gusta demasiado al autor). En cuanto a diversificar ingresos se centra básicamente en no apostar todo nuestro negocio en una única idea, ideas como mientras hacemos fotos para un cliente, las fotos extra que haces durante ese viaje se pueden aprovechar para vender a través de agencias de fotografía. Y el concepto de ganancias residuales se basa en la idea de tener fuentes de ingresos que una vez se ponen en marcha, hagan dinero por sí solos. Un ejemplo de esto podría ser poner a la venta un ebook, una vez hecho, cada venta de una copia del mismo es beneficio directo para uno, y no requiere más trabajo extra. Lo mismo iría para nuestra colección de fotos en una agencia fotográfica. Ambos simplemente se quedan ahí haciendo algo de dinero de forma continuada.

Como siempre en este tipo de libros incluyen series de consejos y recomendaciones que al final se terminan centrado en cosas que solamente se pueden hacer en Estados Unidos o Canada, ya sea por qué es lo que conoce el autor o por qué es lo que considera que le interesará a la mayor parte de su público. Obviamente herramientas para evaluar los gastos de uno que solamente funcionan en los países anteriormente mencionados o ejemplos de como intentar reducir los impuestos pagados en esos países, siempre dentro de la legalidad, creo que no interesarán mucho a la mayor parte de la gente que lea este blog.

Al final, después de leer el libro, que la verdad tengo que indicar que prácticamente me duró un suspiró, uno queda con la idea de que con empeño todo es posible, eso sí, tal y como indica David duChemin, esto no es un camino de rosas. Como indica mucha gente tiene envidia de a donde él ha conseguido llegar, lo cual conllevo a varios largos años de sacrificios que ahora dan su beneficio, sacrificios por los que mucha gente no quiere o no está dispuesta a pasar.

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Peter Cox es un fotógrafo cuyo trabajo sigo desde hace algún tiempo. Afincado en Irlanda, lleva los últimos años demostrando a través de las fotografías lo bello que es dicha zona de nuestro planeta. Con un estilo de fotografía de paisaje tirando a clasista, es un referente europeo al que prestar atención.

Su último trabajo es el libro The Irish Light, que compré hace un par de meses y terminé de apreciarlo hace un par de días. Es una recopilación de sus fotografías favoritas de Irlanda y dividido en dos secciones: paisajes de mar y paisajes interiores de Irlanda. Como podéis ver en el vídeo que pongo más arriba, como muchos otros proyectos, este libro se financió gracias a técnicas de crowdfunding.

No esperéis en este libro una distribución muy uniforme representando todas las zonas interesantes que fotografiar de Irlanda. Al ser una selección de sus fotografías favoritas, muchas de ellas suelen ser de la misma área de su país natal. Es lo malo que tenemos muchas veces los fotógrafos, tenemos alguna zona a la que solemos volver cada dos por tres.

Por otro lado, si no os gustan las fotografías de faros, tampoco es vuestro libro, el autor tiene una fijación por ellos. Siendo de Galicia, la verdad es que es una fijación que yo también comparto. Pero por desgracia en este caso me ha dado mucha envidia, tiene un montón de fotografías hechas desde avión, helicóptero o barco de faros que se encuentran perdidos en medio de la costa irlandesa que no son accesibles de otra forma. Y la verdad es que algunos de ellos, con las caprichosas formas de los islotes en los que están son impresionantes.

El libro simple y llanamente trae fotografías. A excepción de una introducción del famoso fotógrafo Joe Cornish y una introducción autobiográfica del propio Peter Cox, el libro son páginas y páginas de fotografías, con las famosas páginas finales donde dan detalles técnicos de las mismas.

Hablando del texto me identifiqué bastante con la forma de aproximarse a la fotografía por parte de Peter Cox. Con un periodo de aprendizaje de la técnica largo, se dio cuanta que por ahí mucho no iba a mejorar sus fotografías, y decidió centrarse en aprender y mejorar sus composiciones. A esto último es a lo que aspiro yo, con mayor o menor éxito, desde hace ya algún tiempo.

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Mientras estaba preparando mi viaje a Escocia del año pasado se me pasó por la cabeza comprar este libro de Joe Cornish, para inspirarme cara el viaje, y también, para tomar un decisión en que localizaciones visitar. Al final no lo compré, una decisión de la cual me arrepentiría cuando, estando en la Isla de Skye, tuve oportunidad de ojear los libros del autor en el Bed & Breakfast de Dave. Pequeño error que corregí una vez regresado a Barcelona.

Para los que no conozcáis a Joe Cornish, probablemente sea el fotógrafo de paisaje más famoso en la actualidad en el Reino Unido. Tiene un trabajo, bajo mi punto de vista, exquisito, y una de las personas a las que merece echar de vez en cuando un ojo a todo lo que hace.

Scotland’s Coast es un libro publicado por primera vez en el año 2005 que contiene fotografías de toda la costa escocesa, algo que el propio autor dice que con 6412 millas de costa, es algo difícil de hacer justicia con solamente un libro. Un trabajo fotográfico que Joe Cornish efectuó a lo largo de un año, donde el tiempo no quiso colaborar con él en gran parte de las ocasiones. Aún así, las composiciones son exquisitas y el trabajo envidiable.

A parte de la gran belleza de las fotografías, con las cuales podemos pasarnos horas y horas deleitándonos y apreciando el trabajo. El autor también nos indica en un mapa dónde fue sacada cada una de ellas, ayudando de esta forma a cualquiera que quiera visitar dichos lugares a localizarlos fácilmente. Aunque realmente, después de haber visitado Escocia, uno simplemente tiene que seguir una carretera pegada en la costa para saber que, pares donde pares, las oportunidades fotográficas son infinitas.

Durante el libro, en cada una de las zonas en que divide Escocia para presentárnoslas en el mismo, el autor va comentado hechos sobre como afrontó la fotografía en cada una de ellas. Una de las reflexiones que hace en una zona de playas de arena fina es que el tiempo en Escocia es casi una bendición para la conservación de dichos lugares con poca modificación por la mano del hombre. Un clima más cálido haría que esa costa virgen quedase completamente destruida por diversos hoteles y resorts turísticos.

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Si estáis prestando un poco de atención al mundo de la fotografía actual os habréis dado cuenta que últimamente están más de moda los Timelapses. Si una cosa ha hecho en los últimos años la fotografía digital es abrir las puertas a mucha gente a la posibilidad de hacer con medios modestos lo que antes se realizaba con equipos extremadamente caros y al alcance de muy pocos. Una de estas cosas es, por supuesto, los Timelapses.

Dave Delnea nos presenta en 45 páginas un completo resumen, bueno, para una persona sin experiencia como yo en timelapses así me lo parece, de como abordar la grabación de un timelapse. Desde le equipo necesario, consideraciones a la hora de grabar los cientos o miles de fotografías, a como después pasar todo eso al ordenador en un flujo de trabajo adecuado, y comentando aquí y allí pequeños programas tanto para móvil como ordenador para facilitar todas estas cosas. El libro se acompaña con enlaces a pequeños vídeos on-line donde demuestran los diferentes conceptos que nos están mostrando.

El libro dedica extensa información a el principal problema a la hora de grabar timelapses: aperture flickering ó parpadeo debido a la apertura. Básicamente todas las lentes de apertura automática (básicamente el 99% de las lentes que hay en el mercado) nunca cierran exactamente a la apertura seleccionada, hay pequeñas variaciones, que habitualmente cuando hacemos fotografías no presentan ningún problema, pero a la hora de hacer timelapses, resultan en un molesto parpadeo en la imagen.

Una pequeña advertencia por si alguien esta pensando en comprarse este libro electrónico, a mí no me ha resultado nada rentable de cara a mi bolsillo. De entrada ya estoy empezando mis primeros pinitos en timelapses, y claro, sigo la recomendación del libro de grabarlos en RAW, lo cual mi espacio en disco duro está decreciendo de forma dramática. Por otro lado, ahora cada dos por tres me pongo a mirar opciones de railes para grabación de vídeo, lo cual lleva a la necesidad de más trípodes… si me hubiese estado quietecito.

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Si hay una persona que prácticamente creo ciegamente en sus recomendaciones en como usar Adobe Lightroom ó Adobe Photoshop ese es Jeff Schewe. Realmente el por qué de esto no lo sé explicar, supongo que después de haber visto innumerables vídeo tutoriales de él, leerme varios de sus libros, o sus artículos en diversos medios, y dicha información siempre resultarme útil, uno termina ganando confianza al autor de los mismos. Cuando me enteré de que iba a publicar un libro: The Digital Negative ya sabía que tenía que reservar el dinero para comprármelo.

The Digital Negative es más un libro de flujo de trabajo y buenas prácticas que un manual puro y duro de Lightroom. Desde el momento que sacamos la foto en la cámara, explicando por qué derechear, que contiene un fichero RAW y sus principales problemas. Pasando como procesar la imagen. Y concluyendo en diferentes flujos de trabajo para hacer tareas tan básicas como copias de seguridad.

Schewe guarda una estrecha relación con los ingenieros de Adobe y esto se nota durante todo el libro. Comenzando con una historia del nacimiento de Lightroom, pasando a explicarte detalladamente que hace exactamente cada control del mismo y que algoritmos usa por detrás.

El libro se lee de forma rápida y cada uno de los conceptos es bastante descriptivo. De lejos es el típico libro pesado que se recorre uno a uno todas las opciones de los programas que describe, sino que te muestra realmente una forma, ya sea óptima o no, de trabajar con él.

Ahora esperando al año que viene a Schewe publique de The Digital Print.

De la contraportada:

The Digital Negative is about raw image processing of digital camera captures. It details what makes for a really good digital negative and how to harness the massive power of Lightroom and Camera Raw to extract the best-possible raw rendering of that digital negative. It’s also about when and how to deploy Photoshop to take your rendered digital negatives further using the power of Photoshop to perfect the images that need and deserve the attention. I drill down on the Lightroom Develop module and the Camera Raw plug-in extensively—that’s the meat of this book. While parametric image editing (editing the parameters instead of the image pixels in Lightroom and Camera Raw) has advanced considerably since Camera Raw was first introduced, there is still a use for that venerable old lady named Photoshop.

I wrote this book because there didn’t seem to be an optimal source of information that suitably covered the main topic without being relegated to covering everything about a single application. The world doesn’t need yet another Lightroom or Photoshop book. What I thought was needed, though, was a book about the essence of raw image processing, regardless of the imaging application. I set out to write a book about cross-application integration that addressed the needs of photographers who want to optimize their images for the best-possible image quality.

I called the book The Digital Negative for a reason. In my formative years as a young photographer, I read a series of books by Ansel Adams that formed the genesis of my infatuation with and addiction to photography. Ansel’s books—The Camera, The Negative, and The Print had a huge impact and greatly helped advance my knowledge of photography. Time will tell if I can have even a minute fraction of the impact on others that his books had on me. (Excerpt from the book’s introduction)

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David duChemin es un fotógrafo canadiense que se dió a conocer bastante entre la gente que está empezando en este mundo gracias a su serie de libros didácticos y sobretodo, a su proyecto editorial de eBooks: Craft & Vision, de la cual yo he disfrutado alguno de sus títulos. Cuando me enteré que preparaban una revista: Photograph sabía que la terminaría comprando.

Para los motivos del nacimiento de esta revista, creo que lo mejor es citar a su propio creador:

Han pasado años desde que he comprado otra revista que no sea Lenswork, principalmente debido a la desilusión de gastar entre 8 a 16 dólares en algo que es básicamente anuncios, para nada más conseguir un artículo que no es más que “¡Los 10 trucos para enfocar tú cámara!”, ¡Ehh!, no hay nada malo en aprender a enfocar, pero creo que ya sé hacerlo a estas alturas. Así que hice una lista de las cosas que yo quería. Y quería, sobretodo, fotografías. Grandes, bonitas, sin recortes, y sin adornos con cutres comentarios o gigantes letras sobre ellas. Quería escuchar de los fotógrafos que respetaba. Y quería aprender cosas que actualmente impactasen en mis habilidades y mi arte, como artículos sobre creatividad, composición, y impresión.

Este primer ejemplar empieza pisando fuerte, con galerías de fotógrafos de la talla de Art Wolfe, acompañado de Nate Parker y Bruce Percy. Realmente esta primera parte de galerías fotográficas junto con una entrevista con el autor ha sido lo que más he disfrutado de este primer ejemplar de la revista. Solamente por eso ya ha compensado lo que he pagado por la misma. Los artículos siguientes sobre diversos temas, desde composición, iluminación, procesado, etc… están bastante bien, pero ya interesan a cada uno de forma diferente.

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Llevo desde hace ya bastante tiempo con unas ganas tremendas de comprarme una lente Tilt-Shift ó Basculante-Descentrable. Un capricho extremadamente caro el cual me echa un poco para atrás saber si será capaz de manejarlas correctamente. Por eso, cuando Darwin Wiggett y Samantha Cyrsanthou sacaron su ebook The Tilt-Shift Lens Advantage for Outodoor & Nature Photography me fui directo de cabeza a comprarlo.

El libro está compuesto de 64 páginas y viene acompañado de una serie de varios vídeos explicativos. El libro se centra básicamente en lentres descentrables y basculantes para cámaras reflex digitales como la Canon TS-E 24mm f/3.5L II, abstenerse de comprarlo gente interesada en manejar lentes como Lensbaby dado que es una categoría completamente diferente. Gente que tenga cámaras técnicas de medio formato supongo que un tutorial como este ni les es adecuado ni les hará falta.

El libro se lee rápidamente, empieza hablando de las ventajas de las lentes descentrables y basculantes ó Tilt-Shift, cosas como control de perspectiva, extender profundidad de campo, crear fotografías panorámicas, para controlar de forma precisa la colocación de la profundidad de campo y combinando todas las anteriores de una forma muy versátil.

Una vez pasado por entender para que vale una lente de estas, los autores se mueven a explicar los movimientos de las mismas, sección que se pasa rápidamente hasta llegar a lo que realmente interesa, pequeñas recetas de paso a paso que se pueden seguir para ver como utilizarlas. En estas es precisamente donde he aprendido detalles que en ningún momento se me habían ocurrido mientras contemplaba la compra. Cosas como exponer primero la lente en posición cero, dado que después una vez desplazada o basculada la cámara medirá mal la exposición.

Un libro altamente recomendable si tienes pensado utilizar una de estas lentes, una guía rápida para no tener que empezar experimentando a ciegas.

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Alian Briot ha dedicado toda su vida a alcanzar la máxima calidad en las obras fotográficas que produce, principalmente centradas en reflejar la belleza de los grandes parques naturales de Estados Unidos. En este, su segundo libro sobre fotografía, el fotógrafo se centra en explicar y ayudarnos a perfeccionar la composición fotográfica, creatividad hasta lograr un estilo personal propio, eso sí, advirtiéndonos que este será un proceso de varios años que probablemente no consigamos terminar nunca.

El libro da gran importancia tanto a aspectos técnicos como artísticos, dejando claro el mensaje que para mejorar en este mundo que los anglosajones denominan Fine Art Photography, nunca debemos descuidar ninguno de los dos. Puede que tengamos una gran visión artística pero sin la técnica necesaria nunca seremos capaz de plasmarla a través de una fotografía y al mismo tiempo puede que hagamos fotografías técnicamente perfectas, pero sin una componente artística, dichas fotos difícilmente transmitirán algo al espectador.

El libro está dividido en 3 partes, una primera donde el autor se centra de entrada en aspectos técnicos de como ve una cámara y esta plasma las cosas en una fotografía, entendiendo las claras y obvias diferencias entre lo que la cámara ve una escena y como la ve el ojo humano. A partir de este punto ya empieza hablar de parámetros como luz, color, forma y como todo esto afecta a la composición de una imagen.

A partir de ese punto Alain Briot se centra en maneras de buscar inspiración fotográfica, dedicando diversos capítulos a ello. Todo hay que decir que al final de cada capítulo el autor propone una serie de ejercicios para consolidar los conocimientos expuestos. Tengo que confesar que no practiqué ninguno e ellos, así que no sé exactamente lo precisos que pueden llegar a ser.

La parte final del libro se centra en como reaccionar ante una audiencia que ve tus fotos o a la cual se las vendes. Tal vez esta sea la parte menos interesante para mí del libro debido a que ya me había leído el tercero de los libros de fotografía del autor: Marketing Fina Art Photography, donde entra en estos temas de una forma más detallada. Esta parte también incluye algunos consejos técnicos en Photoshop o Camera RAW para corregir imágenes, personalmente pienso que esa parte sobraba un poco, el libro ya era completo con las dos primeras secciones, y la parte de como tratar a tu audiencia.

De la contraportada:

Alain Briot states, «The personality of the photographer must be present in the image for an artistic photograph to have value». And in this book he sets out ot teach what is essential in achieving this goal».

Following his successful first book, Mastering Landscape Photography, Briot goes beyond the conventional rules of composition and takes on a fresh, new approach to teaching the art of phtography. Based on his personal experiences as an artist, teacher, and photographer, he opens new doors to the reader; doors leading to new ways of seeing ad composing images.

Briot approaches fina art photography as being a combinaton of art and technique, and in this books he addresses both. On the artistic side, Briot introduces artistic concepts that have been rarely, if ever, associated with photography. On the technical side, he presents numerosus tools that can help you learn to create better photographs and the provides technical solutions to common photographic problems.

The author practices phtography as fine art. What matters most to hims is how photography can be used to exress feelings and emotions. For Briot, a good photograph must be both artistically inspired and technically excellent. To have just one of these two elements is not enough for a fine art photography to be successful.

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