Mi amigo y gran fotógrafo Eduardo Blanco se me ha embarcado en uno de estos proyectos de intentar publicar un libro fotográfico: Fotografiar con mal tiempo, un buen momento. Si el libro solamente fuese con fotografías de Eduardo ya merecía la pena. Pero aún por encima ha decidido que el libro iba a ser divulgativo, enseñándonos a como fotografía incluso cuando pensamos que “hace mal tiempo” (entre comillas, por qué el concepto de un fotógrafo/a de naturaleza y el resto del mundo sobre lo que se entiende por “buen tiempo” puede llegar a ser diametralmente opuesto). Aquí tenéis el vídeo de presentación del proyecto:

Yo ya he puesto mi aportación para intentar que este proyecto de crowdfunding salga adelante. Estoy seguro que aprenderé más de una cosa con el libro por qué, si una cosa es Eduardo, a parte de gran fotógrafo, es ser un gran instructor de fotografía.

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Cuando preparo un viaje fotográfico como el que hicimos a Islandia el verano pasado unos amigos y yo, siempre intento conseguir la mayor información posible. Y esto fue lo que hice comprando esta guía fotográfica de Islandia, que realmente creo que es una de las mejoras aproximaciones que visto para encontrar las localizaciones más emblemáticas de ese isleño país. Antes de que continuáis leyendo, advertir que este libro está solamente disponible en inglés.

Hielo [Canon 5D Mark II con Canon 70–200f4L IS. Foto sacada a IS0100, f13 y 1/4 seg. Trípode y disparador remoto utilizado]. © David García Pérez 2015.

Antes de empezar hablando del libro voy hablar del título, Forever Light. Realmente me encanta, está dedicado al conocido fenómeno que en Islandia llaman “Sol de medianoche”. Básicamente sobre el mes de Junio prácticamente no hay noche en Islandia. Tenemos un atardecer y amanecer continuo con bastantes horas ideales para hacer fotografía, y lo mejor, sin tanto turista, dado que estarán durmiendo. Forever Light hace referencia a esos días de luz constante.

El libro está dividido en 3 partes. Una primera parte dedicada a consejos para viajar a Islandia. Una segunda parte que se centra en tipos de fotografía que especialmente se pueden hacer en Islandia. Y, por último, una tercera parte con listado de localizaciones y información específica sobre las mismas.

Como dije la primera parte del libro está dedicada a hablar de recomendaciones para viajar a Islandia. Incluye información práctica de donde está el aeropuerto principal, tipos de carreteras, tipos de alojamiento, donde comprar comida, etc… También incluye información de duración de días con respecto a la época del año, tiempo típico según fecha y como queda de inaccesible por zonas la isla según el mes.

La segunda parte del libro está compuesta básicamente en entrevistas a una serie de fotógrafos hablando de tipos específicos de fotografía: aérea, volcanes, cuevas de hielo, aurora borealis, vida salvaje… Preguntan a fotógrafos con una dilatada experiencia haciendo ese tipo de fotografía en Islandia sobre cuando es mejor ir hacer ese tipo de fotos, consejos, o precauciones que uno debería tomar.

Por último, la tercera parte es la más jugosa del libro electrónico. En ella tenemos la descripción de 40 localizaciones. Con sus coordenadas GPS, información práctica de lo que nos vamos esperar a las mismas, consejos de como llegar y precauciones que debamos tomar.

Este libro es ideal si estáis pensando en organizar por vuestra cuenta vuestra excursión fotográfica a Islandia.

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Mi amigo Eduardo Blanco acaba de publicar su primer libro electrónico, atreviéndose con uno de los ámbitos de la fotografía que está bastante poco documentado, la fotografía aérea. Modalidad fotográfica que, aunque no he atrevido personalmente con ella, he disfrutado anteriormente a través de los trabajos de Hans Strand ó Peter Cox.

Este breve libro de rápida lectura acercará al lector o lectora al mundo de la fotografía aérea. Eduardo empieza hablando de los pros y contras de distintas modalidades de fotografía aérea: desde vuelos comerciales, ultraligeros, globos, drones, etc. Desde precios medios (para España) a dónde y cómo poder buscar información sobre los mismos.

Después el autor se mueve a recomendaciones técnicas y una serie de fotografías ejemplo y/o inspiradoras para que el lector o lectora pueda hacerse una idea de las posibilidades de esta modalidad fotográfica y ver si personalmente le podría llegar interesar. Aunque muchas de las formas de fotografía aérea son económicas y realmente por probar tampoco es que tengamos muchas excusas.

Un libro recomendable, rápido de leer y que nos dará una clara idea de por donde comenzar en este apasionante mundo de la fotografía aérea.

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Ya hace algún tiempo que conocía el trabajo del fotógrafo Peter Cox cuando decidí el año pasado ir de escapada fotográfica a Irlanda. Para documentarme en el viaje me compré su libro The Irish Light, donde recopilaba gran parte de su trabajo fotografiando Irlanda, de donde es originario. Peter Cox decidió el año pasado comenzar un nuevo proyecto de fotografía aérea que culmina con su nuevo libro y motivo de este artículo Atlantic Light. Después de haber disfrutado su primer libro, este era uno que estaba seguro que iba a entrar mi lista de la compra.

Para su segundo libro, Peter Cox decidió crear un libro sobre un tema específico, no una selección de sus mejores imágenes como había sido el libro anterior. El gobierno de Irlanda estaba por esa época promocionando una ruta automovilística por la costa oeste de Irlanda, la costa Atlántica. Peter decidió que podría ser un buen tema para su libro.

Tenía en mente usar fotografías aéreas para el mismo, por lo cual decidió adquirir un drone capaz de llevar una cámara réflex para abaratar costes (a la larga era más barato que alquilar helicópteros o avionetas). Con las primeras fotografías que empezó hacer decidió que el libro sería exclusivo de fotografías aéreas lo cual complicaba enormemente el proyecto. El drone no podía volarse con lluvia o vientos fuertes, algo que se sufre bastante en Irlanda.

Poco a poco las imágenes se fueron recopilando y el libro tomando forma. Peter Cox decidió financiarlo a través de Kickstarter, y aquí es donde entro yo, decidí colaborar con el proyecto. Mi recompensa fue una copia firmada del libro, que es la que estoy comentando ahora.

Al igual que el libro de Joe Cornish, Scotland’s Coast (comentado en este blog), Peter Cox presenta un mapa al lado de cada foto donde claramente indica donde fue sacada la misma. Esto es una gran ayuda para preparar futuras escapadas fotográficas dado que te puede dar idea de buenas localizaciones donde empezar a explorar una zona del país.

También cada foto tiene una descripción de cada zona con alguna anécdota de cuando hizo la captura. Es interesante mencionar que si os gusta la fotografía de faros, el trabajo de Cox os va encantar, dado que como él mismo indica tiene predilección por los mismos.

Un interesante libro de Irlanda, que después de haberlo visitado, estas visiones aéreas que nos ofrece el autor me hacen ver que solamente vi la punta del Iceberg y que tal vez más viajes en el futuro merezcan bastante la pena.

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Voy a parecer un disco rayado de tanto mencionar libros de David duChemin en este blog. Pero que le vamos hacer, si cuando sea mayor consigo hablar la mitad de bien que él sobre fotografía creo que podré morir tranquilo. En esta ocasión me centro en su último libro, publicado hace escasas semanas: Making the Image.

En Making the Image el autor asume que que el lector ya domina los temas técnicos de la fotografía, conoce su cámara, y que sus fotografías son casi siempre técnicamente perfectas, pero le falta algo, no consigue crear fotografías que podamos denomina “buenas”. Como decía Ansel Adams: “no hay nada peor que una fotografía nítida de un concepto dudoso”.

David duChemin en este libro nos lleva a través de unas 35 preguntas, preguntas que el mismo se hace durante el proceso de hacer fotografías, preguntas que le ayudan a que sus composiciones sean mejores, a conseguir transmitir lo que ve o siente en ese momento. Algunas de estas preguntas las podemos aplicar cuando hacemos la foto, otras también son válidas cuando revelamos dicha foto en nuestro ordenador.

Preguntas tan sencillas como “¿es esta la fotografía que quiero hacer? ¿Por qué?” ó “¿Hay patrones?”. Junto con cada pregunta el autor nos pone un ejemplo ilustrativo y nos explica como a él esas preguntas le ayudaron a escoger dicha composición.

Si uno está esperando en este libro la típica colección de reglas de composición que se olvide. Aquí no las va encontrar. Aquí solamente hay preguntas que ayudan a buscar los elementos básicos de una imagen, a simplificarla, y gracias a ello, transmitir un mensaje más relevante. Preguntas que nos ayudan a cuando vemos una escena y intuimos que ahí puede haber una fotografía, a ir buscándola poco a poco, muy probablemente con fotografías intermedias que nos lleven a la fotografía final.

El libro viene acompañado de un vídeo de 50 minutos donde David duChemin nos lleva a través de 3 fotografías suyas y todas las “miles” anteriores que llegó a sacar hasta que consiguió lo que buscaba, una fotografía que contase lo que realmente él estaba viendo en ese sitio (y aquí es lo importante, él, la fotografía realmente tiene que motivar primero al fotógrafo, sino, es difícil transmitir algo interesante).

A parte, junto con el libro se acompaña un pequeño PDF con todas las preguntas, ideal para poner en el móvil y ir mirándolo de vez en cuando antes de cada sesión fotográfica que hagamos. El autor no espera que nos aprendamos dichas preguntas de memoria, espera que poco a poco, las vayamos aplicando, y al igual que la técnica, que en algún momento se conviertan en algo tan automático que no nos demos cuenta de que estamos haciéndonos dichas preguntas cuando seleccionamos nuestras composiciones (aunque también David duChemin indica que son válidas para esos momentos que nos quedamos atascados y no sabemos que fotografiar).

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Cuando empecé a disfrutar de este libro de Eugène Atget tenía una duda en mi mente, ¿haber estado en París solamente una vez en mi vida y básicamente ir del aeropuerto al lugar de trabajo para después volver al aeropuerto y solamente haber visto la Torre Eiffel a lo lejos me dejará apreciar correctamente el libro? La duda sigue ahí, y supongo que si alguna vez vuelvo a París con calma tendré que volver a revisitar este más que interesante y histórico libro.

Eugène Atget es un fotógrafo francés que murió a principios del siglo pasado (Libourne 1857 – París 1927) y cuyo trabajo tengo que reconocer que no conocía mucho. Este curioso fotógrafo francés tiene un, más que extenso, trabajo documental del París de finales del siglo XIX y principios del XX, principalmente centrado en lo que se conocía en la época como viejo París, el París que escapaba la tendencia de demoler edificios antiguos para dar cabida al modernismo.

Atget meticulosamente fue fotografiando cada una de estas calles, intentando hacer un trabajo documental de lo que era París en aquella época para preservarlo para la eternidad. Para ello empleaba una cámara de fuelle que usaba placas de 18 x 24 cm. Debido a las soluciones químicas de la época sus exposiciones rondaban los segundos, lo cual en grandes ocasiones hacía que las calles que fotografiaba apareciesen desiertas, dando un aspecto surrealista a su fotografía que fue muy apreciado por los seguidores de ese movimiento artístico.

Este libro nace de un proyecto de exhibir el trabajo de Atget en 4 ciudades distintas: Madrid, París, Rotterdam y Sidney a principios de esta década. En el libro se nos narra la importancia de Atget para la fotografía, principalmente centrado en el aspecto documental de la misma. Obviamente la vida de Atget y sus preocupaciones de documentar el París donde vivió y veía desaparecer también es introducida. Y la complicación de exponer un trabajo tan antiguo y delicado como el de Atget también es explicada.

En las 343 páginas del libro nos podemos hacer una idea del mastodóntico trabajo de Atget. Obviamente estamos viendo una pequeña porción de las más de 10.000 fotografías que dejó el autor, centradas en mostrarnos los negocios y tiendas de aquella época en París, sus antiguas calles y interiores de algunos edificios.

Tengo que comentar que me gustó mucho la explicación al final del libro sobre como su obra fue restaurada y las implicaciones de exponerla. Las placas del trabajo de Atget están compuestas de unos productos químicos tan delicados en la actualidad que su exposición requiere unas condiciones de temperatura, humedad y niveles de luz delicados, si no se quiere que se destruyan en el proceso. Según indican en el libro, después de haberlas expuestas en estas 4 ciudades, se estima que la obra expuesta requerirá 10 años de descanso en oscuridad antes de que el público pueda volver a disfrutarla.

Tengo que agradecer a Pedro que me prestase el libro para yo poder disfrutar de él durante una breve semana.

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Ve Más Allá del Modo Auto es una magnífica introducción a los conceptos básicos de la fotografía, desde introducir el concepto de una cámara fotográfica hasta hablar en detalle de conceptos tan importantes como la apertura, velocidad de obturación y ISO.

Tal y como indica su título, es un libro para aquellos que quieran mover su cámara más allá del modo automático puedan entender lo que pasa. Explicado de tal forma que uno comprenda fácilmente el efecto que tendrá en sus fotografías cada uno de las nociones que el autor introduce.

El libro está dividido en 3 partes. Una primera que nos explica que es una cámara, una segunda que se centra en dejar claro los parámetros de la cámara que controlan lo que se denomina exposición, y por último, las formas más comunes de funcionamiento de una cámara y como afecta a la selección de los parámetros introducidos anteriormente.

A pesar de no contener ninguna fotografía, pero si bastantes gráficos explicativos, sus 97 páginas se leen rápidamente. Mi recomendación para cualquiera que lea el libro y sea completamente novato en el mundo de la fotografía es que coja su cámara y pruebe mientras lee lo que el autor explica. Es la forma más fácil de que esos conceptos básicos ahí explicados se conviertan en algo innato y nos podamos centrar en lo más importante, hacer fotografías.

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Hace un par de meses que compré una copia de los vídeos de la conferencia A Meeting of Minds organizada por la revista británica On Landscape. Una de las charlas que me llamó la atención fue la de Hans Strand sobre su libro Iceland, Above & Below.

© Hans Strand.

Ya durante la charla sus imágenes me sorprendieron bastante. No eran las típicas imágenes a las cuales estamos acostumbrados de Islandia (no es que tenga un problema con ello) y, sin embargo, al mismo tiempo era la Islandia a la cual ya estaba acostumbrado.

Hans Strand viajó por primera vez a Islandia en 1995, y a diferencia de lo que hacemos muchos en la fotografía, visitar un sitio lejano, disfrutarlo por un rato y saltar al siguiente, Hans quedó enamorado de Islandia y volvió una y otra vez, año tras año, a ella. En 2014 decidió que ya tenía más que suficientes imágenes para hacer un libro.

© Hans Strand.

Iceland, Above & Below se nos presenta en un libro de gran formato para poder disfrutar poco a poco de cada una de las imágenes. Y básicamente lo que nos vamos a encontrar en el libro son imágenes. Después de una presentación del libro por el famoso fotógrafo de naturaleza Art Wolfe, pasamos a una presentación del libro por parte del autor y 4 páginas después ya estamos viendo imágenes en una cuidada impresión. La única información que se nos aporta de las imágenes es el lugar donde fueron tomadas, si buscáis detalles técnica de las mismas, tendréis que mandar un correo al autor, lo único que nos dicen es fueron sacadas con una Hasselblad.

© Hans Strand.

Sin lugar a duda, lo que más llamará la atención a cualquiera que vea el libro es el gran número de imágenes aéreas de Islandia. Algunas de las mismas permiten observar el paisaje con su relieve, pero una gran mayoría de ellas fueron tomadas con la cámara casi perpendicular al suelo, generando unas texturas abstractas donde la única indicación de lo que estamos viendo es el pie de la imagen. Tal vez sea en estas imágenes donde vemos el color y la diversidad del terreno de Islanda, mezclado con ese color negro fuerte de un terreno volcánico.

En definitiva, 120 páginas llenas de imágenes de Islandia, desde ángulos de vista y zonas no comunes, que os darán de buenos ratos observándolas tranquilamente.

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Jay Maisel es probablemente uno de los referentes actuales de la fotografía. Muchos de los fotógrafos que admiro y sigo siempre comentan orgullosos que ha asistido a alguno de los cursos que Jay imparte, o que en algún momento de su vida ha sido mentor suyo. Así que cuando vi que había sacado un libro sobre su forma de trabajar y aproximarse a la fotografía, sabía que tenía que comprarlo (el hecho de que compro casi todo libro de fotografía que pasa por delante de mis narices también puede que tenga algo que ver).

El título del libro no puede ser más oportuno: Light, Gesture & Color (luz, gesto y color). Estos son los tres pilares en los que se basa la forma de aproximarse a la fotografía de Jay Maysel. Para él el resto de las cosas no son relevantes. Una buena fotografía según él tiene alguna de estas cosas, una muy buena fotografía tiene dos, raramente comenta que consigue tener las tres en la misma foto.

Pero vayamos por partes, luz y color probablemente sean lo más fácil de describir. Después de todo, cualquier aficionado a la fotografía entiende la importancia de la luz. Aunque hay que decir que Jay se ríe del concepto de mala luz.

Una de las primeras cosas del Génesis es: “Y Dios dijo, ‘¡Qué se haga la luz!’; y la luz se hizo, y Dios vio que aquello era bueno…” Desde ese momento, los fotógrafos se han quejado sobre la “mala luz”.

Color es un término ambiguo. Color puede ser un montón de colores en una imagen o solamente uno. Puede ser la ausencia de color. Puede ser la yuxtaposición, así como colores complementarios.

Y nos queda Gesto. Gesto puede tratar sobre las formas de las cosas, o no. Gesto puede ser una expresión de una persona, pero también se lo podemos atribuir a cosas en las imágenes. Puede ser lo que la propia imagen nos quiera decir… los pequeños detalles que vemos en las imágenes, o los que nos atrae hacia ellas… O tal vez no me quedase nada claro después de leer el libro.

Sin embargo lo que más me gustó sin lugar a dudas, a parte de algunas de sus fotos, es su aproximación a la vida a través de la fotografía. Jay Maisel piensa que planificar una foto, prepararnos para ir a fotografiar algo, nos crea condicionantes que nos impiden ver las posibilidades fotográficas de un lugar.

Para Jay lo único que un fotógrafo debería hacer es sencillamente andar con una cámara encima en todo momento. Eso es lo que hace, cada vez que baja a comprar el pan, baja con la cámara. La cámara es una extensión de él, y cada vez que algo le llama la atención, lo fotografía. Tiene la filosofía de que si no se dispara en el momento se pierde la oportunidad de hacerlo después, y puede que esa oportunidad desapezca.

Te queda claro que esta forma de aproximarse a la fotografía también es la forma en la que se aproxima a la vida. Le encanta ver las cosas que nadie ve, o las que ya han visto todos anteriormente incluido él. Reflejar esos pequeños detalles a través de la fotografía y conservar esa belleza de forma eterna.

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