Si hay una persona que prácticamente creo ciegamente en sus recomendaciones en como usar Adobe Lightroom ó Adobe Photoshop ese es Jeff Schewe. Realmente el por qué de esto no lo sé explicar, supongo que después de haber visto innumerables vídeo tutoriales de él, leerme varios de sus libros, o sus artículos en diversos medios, y dicha información siempre resultarme útil, uno termina ganando confianza al autor de los mismos. Cuando me enteré de que iba a publicar un libro: The Digital Negative ya sabía que tenía que reservar el dinero para comprármelo.

The Digital Negative es más un libro de flujo de trabajo y buenas prácticas que un manual puro y duro de Lightroom. Desde el momento que sacamos la foto en la cámara, explicando por qué derechear, que contiene un fichero RAW y sus principales problemas. Pasando como procesar la imagen. Y concluyendo en diferentes flujos de trabajo para hacer tareas tan básicas como copias de seguridad.

Schewe guarda una estrecha relación con los ingenieros de Adobe y esto se nota durante todo el libro. Comenzando con una historia del nacimiento de Lightroom, pasando a explicarte detalladamente que hace exactamente cada control del mismo y que algoritmos usa por detrás.

El libro se lee de forma rápida y cada uno de los conceptos es bastante descriptivo. De lejos es el típico libro pesado que se recorre uno a uno todas las opciones de los programas que describe, sino que te muestra realmente una forma, ya sea óptima o no, de trabajar con él.

Ahora esperando al año que viene a Schewe publique de The Digital Print.

De la contraportada:

The Digital Negative is about raw image processing of digital camera captures. It details what makes for a really good digital negative and how to harness the massive power of Lightroom and Camera Raw to extract the best-possible raw rendering of that digital negative. It’s also about when and how to deploy Photoshop to take your rendered digital negatives further using the power of Photoshop to perfect the images that need and deserve the attention. I drill down on the Lightroom Develop module and the Camera Raw plug-in extensively—that’s the meat of this book. While parametric image editing (editing the parameters instead of the image pixels in Lightroom and Camera Raw) has advanced considerably since Camera Raw was first introduced, there is still a use for that venerable old lady named Photoshop.

I wrote this book because there didn’t seem to be an optimal source of information that suitably covered the main topic without being relegated to covering everything about a single application. The world doesn’t need yet another Lightroom or Photoshop book. What I thought was needed, though, was a book about the essence of raw image processing, regardless of the imaging application. I set out to write a book about cross-application integration that addressed the needs of photographers who want to optimize their images for the best-possible image quality.

I called the book The Digital Negative for a reason. In my formative years as a young photographer, I read a series of books by Ansel Adams that formed the genesis of my infatuation with and addiction to photography. Ansel’s books—The Camera, The Negative, and The Print had a huge impact and greatly helped advance my knowledge of photography. Time will tell if I can have even a minute fraction of the impact on others that his books had on me. (Excerpt from the book’s introduction)

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¡Si es que no se me puede sacar de casa! Uno estaba tan tranquilo, ya tenia hecha mi pequeña selección de papeles para usar en mi Epson 3880, hasta que me acerqué a una tienda para comprar cartón de paspartú, me pongo a mirar las muestras de papel para impresión fotográfica de una casa que no conocía, Awagami, y me marcho de la tienda con una caja de papel A4, un Kozo Thick White, nada barato por cierto, pero la tentación fue mayor de lo que pude resistir.

Caja del Awagami Kozo Thick White.

El comienzo de la relación con este papel no ha sido fácil, las recomendaciones para como configurar la impresora se me antojaron excasas. Después de leer por foros y demás, decidí configurarlo en el driver como un papel tipo Velvet Fine Art Print (hay que decirle a que equivalente de papel Epson es para que la impresora sepa cuanta cantidad de tinta hay que depositar, lo mismo pasa con impresoras de otras marcas). Habitualmente esta información en papeles de otras casas te viene claramente indicada por modelo de impresora. Supongo que es algo en lo que tendrá que trabajar un poquito más Awagami.

Una vez dicho esto, hay que decir que la presentación de este papel es lo mejor que he visto hasta el momento. El papel viene en una preciosa caja que realmente me la voy a quedar para llevar muestras de fotografía en ella. El papel dentro viene protegido por una bolsa de plástico, pero a diferencia de otras marcas, te indican claramente por que lado debes colocar el papel para imprimirlo (los papeles de impresión fotografía para impresoras de chorro de tinta, a excepción de los de doble cara, solamente llevan por un lado la superficie diseañada para “chupar” la tinta, y en papeles mate como este caso, puede ser bastante difícil a simple vista distinguir un lado del otro).

La bolsa de plástico que protege al papel del polvo tiene claramente indicada la cara por donde se debe imprimir el papel. Otras marcas podrían aprender de pequeños detalles como este.

Como nota negativa del embalaje, decir que la bolsa de plástico es de estas con solapa estilo sobre y el pegamento para agarrar la solapa está sobre la misma, en vez de sobre la bolsa, con lo cual al sacar el papel se nos puede enganchar a la solapa y dejar alguna marca en el mismo.

Dejando a un lado detalles de embalaje o configuraciones de impresora, lo que más me llamo la atención de este papel mientras miraba las diferentes muestras fue su textura. Leyendo la información que proporciona Awagami este es un papel tradicional japonés, denominado washi, o al menos imita ese estilo, fabricado con fibras de Kozo. El resultado es un papel mate, que no llega a ser blanco puro, con una textura exquisita.

En esta imagen se puede apreciar la textura del papel, algo que lo hace atractivo tanto desde un pinta de vista visual como táctil.

No es un papel muy grueso, 110g/m2, lo cual no lo hacen ideal para el enmarcado de fotos. Yo no lo compré pensando en enmarcar fotos con él, al ver lo “fino” que era y la textura que tenía se me mostró ideal para imprimir fotos que después al mostrárselas a la gente las pudiesen agarrar con la mano, la textura siempre le da un plus a las fotos impresas y al sentir el papel con las manos, hace que la experiencia no sea solamente visual.

Comparación entre el Awagami Kozo Thick White (la hoja que está encima) contra el Epson Premium Luster. Como podéis observar el contraste es mucho menor en el Kozo con unos negros y blancos menos fuertes (básicamente esto es debido a que el Luster es un papel semibrillo, la comparativa no es justa, pero nos vale para hacernos una idea de las propiedades de uno y otro).

Al ser un papel mate tiene los mismos problemas que cualquier otro papel mate comparado con uno semibrillo (escapar de los papeles brillantes o glossy). El contraste que ofrecen es mucho menor que el que ofrecen un papel semibrillo. Aunque de todas formas esto suele ser un aspecto que podremos apreciar solamente si comparamos la foto impresa contra otros papeles o contra la pantalla. Si solamente vemos la foto impresa en nuestro papel, nuestro ojo y nuestra mente se adaptará al rango de contraste mostrado.

En definitiva, un papel precioso, que probablemente no ganará ningún concurso en cuanto contraste o rango dinámico que se puede imprimir en él, pero que está más bien pensado con el objetivo de mostrar fotos en un papel que por si solo ya te entra por la vista y por el tacto.

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Este pequeño artículo sobre Adobe Lightroom se lo dedico a mi amigo Eduardo Blanco, el sabe por qué… espero. Cualquiera que use Lightroom sabe que pinchando en el pequeño triángulo que tiene cada uno de los 4 paneles laterales podemos ocultarlo o mostrarlo. Una vez hecho esto, si acercamos el ratón hacia el lado donde ese panel estaba, Lightroom nos lo mostrará automáticamente, lo cual puede llegar a ser bastante molesto (dependiendo de cada uno).

Una de las cosas que pocas veces hace la gente es usar el botón derecho del ratón (o «Ctrl»+»Botón izquierdo del ratón» en algunas configuraciones de Mac) sobre los distintos elementos de Adobe Lightroom. Si hacemos esto sobre el botón triangular que nos permite ocultar los paneles, Lightroom nos mostrará un menú emergente donde nos permitirá cambiar dicho comportamiento.

En este menú se nos ofrecen 3 posibilidades:

• Ocultar y mostrar automáticamente – Esta opción es la que viene por defecto en Lightroom, es decir, si pulsamos el botón ocultará y mostrará el panel, dependiendo del estado en que esté anteriormente, y en caso de que estuviese oculto, al acercar el ratón a esa zona de la pantalla, mostrará de forma automática el panel.
• Ocultar automáticamente – Esta opción solamente mostrará o ocultará el panel de forma automática dependiendo de si el ratón se encuentra o no sobre la zona de la pantalla donde normalmente se muestra el panel.
• Manual – Esta es la opción que me gusta a mí y la que tengo seleccionada ahora mismo. En este caso tenemos que pulsar el botón triangular si queremos mostrar o ocultar dicho panel, por mucho que acerquemos el ratón a esa zona de la pantalla, Lightroom se negará a mostrar el panel de forma automática.

Hay una cuarta opción: Sincronizar con panel opuesto que nos permite configurar el comportamiento del panel con lo que le pongamos en el panel del otro lado, el izquierdo con el derecho y el superior con el inferior. Puede llegarme a resultarme interesante para el panel superior y el inferior, pero personalmente no me resulta para los paneles laterales. Muchas veces deseo no ver el panel izquierdo, pero el panel derecho es altamente probable que me esté mostrando las herramientas que quiero utilizar en ese momento.

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David duChemin es un fotógrafo canadiense que se dió a conocer bastante entre la gente que está empezando en este mundo gracias a su serie de libros didácticos y sobretodo, a su proyecto editorial de eBooks: Craft & Vision, de la cual yo he disfrutado alguno de sus títulos. Cuando me enteré que preparaban una revista: Photograph sabía que la terminaría comprando.

Para los motivos del nacimiento de esta revista, creo que lo mejor es citar a su propio creador:

Han pasado años desde que he comprado otra revista que no sea Lenswork, principalmente debido a la desilusión de gastar entre 8 a 16 dólares en algo que es básicamente anuncios, para nada más conseguir un artículo que no es más que “¡Los 10 trucos para enfocar tú cámara!”, ¡Ehh!, no hay nada malo en aprender a enfocar, pero creo que ya sé hacerlo a estas alturas. Así que hice una lista de las cosas que yo quería. Y quería, sobretodo, fotografías. Grandes, bonitas, sin recortes, y sin adornos con cutres comentarios o gigantes letras sobre ellas. Quería escuchar de los fotógrafos que respetaba. Y quería aprender cosas que actualmente impactasen en mis habilidades y mi arte, como artículos sobre creatividad, composición, y impresión.

Este primer ejemplar empieza pisando fuerte, con galerías de fotógrafos de la talla de Art Wolfe, acompañado de Nate Parker y Bruce Percy. Realmente esta primera parte de galerías fotográficas junto con una entrevista con el autor ha sido lo que más he disfrutado de este primer ejemplar de la revista. Solamente por eso ya ha compensado lo que he pagado por la misma. Los artículos siguientes sobre diversos temas, desde composición, iluminación, procesado, etc… están bastante bien, pero ya interesan a cada uno de forma diferente.

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Adobe Lightroom es uno de los programas favoritos de muchos fotógrafos/as, con un gran motor de revelado digital, junto con un gran módulo de biblioteca que nos mantiene las cosas ordenadas y fácilmente recuperables. Pero de vez en cuando tienes esos pequeños momentos de desesperación cuando cambias del módulo de biblioteca al revelado mientras Lightroom se pone a generar la previsualización de la imagen… suelen ser pocos segundos (dependiendo del tamaño de la imagen y potencia de tu ordenador, pero suficientes para desesperarte). Aquí os pongo un par de pequeños consejos que harán Lightroom un pelín más rápido. No son grandes ganancias, pero siempre ayudan.

Si nos vamos a los ajustes de catálogo (en Mac: Lightroom > Ajustes de Catálogo, en Windows: Edición -> Ajustes de Catálogo), en en el menú de “Administración de Archivos” deberemos seleccionar “Calidad de la previsualización” “Alta” y “Descartar automática previsulazaciones a 1:1” como “Nunca”). De esta forma, una vez nos genere la previsualización 1:1 Lightroom nunca se descartará de ella. Este tiene un claro inconveniente, el fichero de catálogo a la larga comenzará a crecer mucho más que antes. Yo por mi parte prefiero la ganancia de velocidad a la pérdida de espacio.

Después, si nos vamos al menú de “Metadatos” yo suelo desmarcar la opción “Escribir cambios automáticamente en XMP”. Lightroom por defecto, cada vez que realizamos un cambio a la imagen, escribe un fichero xmp (o actualiza el DNG si la imagen está en ese formato RAW) asociado a la foto, esta operación requiere ir constantemente al disco duro que es una pequeña merma de rendimiento. Si la desactivamos los cambios de revelado solamente se almacenarán en la base de datos de Lightroom, de mucho más rápido acceso. Esto genera un inconveniente, que si abrimos la imagen desde un editor externo fuera de Lightroom, este no verá los cambios hechos desde este (si abrimos la foto en Photoshop desde le menú de “Editar en” de Lightroom no tendremos este problema). De todas formas, de vez en cuando, podemos seleccionar todas las imágenes en el módulo Biblioteca, pulsar la combinación de teclas CMD+S en Mac o Ctrl+S en Windows y Lightroom actualizará todos los ficheros xmp o DNG de nuestras bibliotecas.

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Cuando apuntamos nuestra cámara en vertical hacia un objeto alto, como puede ser un edificio, la foto final tendrá el aspecto de que el objeto está cayendo hacia atrás. Si por el contrario, apuntamos la cámara hacia abajo, el efecto será como si el edificio o sujeto a fotografiar esté cayendo sobre nosotros. Este efecto se conoce como keystone y básicamente se produce cuando el plano del sensor de nuestra cámara no está paralelo al objeto a fotografiar. Los siguientes esquemas muestran de forma gráfica la posición de la cámara con respecto a un hipotético edifico.

En este esquema tanto el edificio como el sensor de la cámara están paralelos, la fotografía no tendrá ningún problema de perspectiva.

En este esquema el sensor/cámara está apuntando hacia arriba del edificio, la foto resultante tendrá el aspecto de como el edificio se está cayendo hacia atrás.

En este esquema la cámara/sensor está apuntando hacia abajo, haciendo un picado hacia el edificio, en la foto resultante, el edificio tendrá el aspecto de que se cae hacia nosotros.

Pero más que esquemas, el siguiente ejemplo práctico muestra claramente el problema:

En esta fotografía, la cámara apuntaba hacia arriba, para poder sacar el edificio entero, como veis, da la sensación de que se está cayendo hacia atrás..

En esta fotografía, la cámara/sensor se han colocado paralelos al edificio, con lo cual no da sensación de que este se caiga hacia atrás o hacia adelante..

La solución más obvia, la de colocar siempre el sensor de nuestra cámara paralelo al sujeto a fotografiar rara vez funciona, dado que rara vez de esa forma es posible encontrar la composición buscada. Herramientas como Adobe Lightroom ó Adobe Photoshop soportan la corrección por software de este efecto, con el handicap de perder parte de la imagen tomada. Por otro lado, existen cámaras y lentes especializadas, nada baratas, que permiten movimientos de desplazamiento que permiten corregir en el momento de sacar la foto dicho efecto, con la consiguiente ventaja de que así podemos estar seguro de que nuestro encuadre tendrá una vez corregido toda la escena que queremos tomar.

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Uno de los mayores errores que un fotógrafo puede hacer es mirar al mundo real y aferrarse a la inútil esperanza que la próxima vez su película, de alguna forma, tendrá un mayor parecido al mismo.

Galen Rowell

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Uno de los primero vídeo tutoriales publicado aquí explicaba la técnica que uso para enfocar la cámara manualmente con LiveView. Técnica que me ha dado grandes resultados con mi Canon 40D pero que con mi Canon 5D Mark II me dí cuenta de que requería mucho más cuidado. El sensor de mayor resolución de la 5d perdonaba menos cualquier desviación del punto de enfoque perfecto que mi vieja cámara. Por este motivo, desde hace algún tiempo estaba barajando comprar una de estas lupas para LCD, y al final he terminado adquiriendo una GGS 3x Perfect LCD Viewfinder.

Uno de los puntos que me convenció por este modelo en la tienda, es que tiene un corrector de dioptrías, necesario para alguien con miopía como yo. Realmente en su momento de compra no estaba muy seguro si me iba acostumbrar a un dispositivo como este. Me parecía demasiado armatoste para ir cargando de una lado a otro con él en el campo. La verdad, es que al final me está resultando en una forma muy natural de trabajar.

La lupa se acopla a la 5d usando una pequeña ventana adhesiva que se pega a la parte de atrás de la cámara. En un principio estaba algo preocupado por si le entraba humedad entre la pantalla LCD y este pequeño adaptador de plástico. Por el momento esto no ha pasado y os aseguro que en una ocasión las condiciones de humedad en el aire eran extremas.

Actualización (19/11/2012) – Bien, lo que me temía si ha pasado, este fin de semana pasado, en un día lluvioso intentando reflejar el otoño, ha empezado entrar algo de humedad entre el soporte y la pantalla, el resultado fue que después de un par de horas tenía el soporte completamente empañado por dentro, haciendo la visión de la LCD bastante incómoda. Supongo que el adhesivo poco a poco ha ido cediendo y ahora puede entrar algo de aire húmedo en él. El problema es que una vez en un ambiente seco, tarda horas en volver a la normalidad.

El funcionamiento es bastante sencillo, tiene un pequeño cordel para colgar el visor del cuello y así poder tener las manos libres mientras nos movemos por el campo. Con un pequeño click rápido lo enganchamos a la pantalla de atrás y podemos usar el zoom del LiveView para enfocar manualmente con total precisión (siempre dependiendo de la lente que usemos).

Si queremos ver la pantalla sin la amplificación del visor, este permite abrirlo. Aunque tengo que confesar que con el túnel que crea, esta opción la he encontrado poco práctica.

Aunque estos dispositivos estén pensados más para la grabación de vídeo con las cámaras réflex digitales, la verdad es que para poder enfocar manualmente la lente usando la ayuda del zoom que se puede hacer en LiveView van de maravilla. Ahora a ver cuanto dura el adhesivo con el soporte ahí pegado.

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El rango dinámico de una imagen se puede definir básicamente como la relación entre la zona más blanca de la imagen y la zona más oscura, quedando en el medio todos los grises intermedios. Es un concepto curioso que solamente podemos aplicar en fotografías, dado que la vida real no posee rango dinámico, el mundo no tiene un negro puro de referencia.

Anoitecer en Cabo Vilano. [Cámara: Canon 5D Mark II. Lente: Canon 70-200f4L IS. Filtros: Polarizador Heliopan, Densidad Neutra de 3 pasos Lee. Exposición: ISO100, f11 y 15 seg. Toma sacada con trípode, disparador remoto, y espejo levantado.]. © David García Pérez 2012.

Lo más importante del concepto de rango dinámico es que va a depender del dispositivo que tengamos. Cuando más rango dinámico posea, más tonos vamos a poder diferenciar entre lo que el dispositivo puede representar como negro puro y blanco puro. Por ejemplo, si vemos nuestra imagen en pantalla al mismo tiempo que una impresión de la misma es claro apreciar que la pantalla ofrece la imagen con mayor contraste, con unos tonos intermedios mucho más definidos. El blanco puro del papel viene delimitado por el blanco del papel que usemos, y al no ser un dispositivo activo, es decir, que depende de la luz que incida en el mismo para poder ver la imagen en él, hace que su rango siempre sea mucho menor. Aún así, siempre disfruto mucho más viendo mis fotos en papel que en pantalla.

Con respecto a nuestra cámara digital las cosas se vuelven aún más interesantes. En una cámara digital el rango dinámico viene marcado por el máxima cantidad de luz que el sensor puede medir antes de saturarse (punto blanco), y la mínima cantidad de luz que la cámara puede medir antes de confundirse con ruido electrónico (punto negro). Habitualmente en las especificaciones de las cámaras esto viene medido en pasos de luz ó EVs.

Cuanto más pasos de luz sea una cámara capaz de distinguir, esta podrá hacer fotografías de escenas más contrastadas sin tener que recurrir a utilizar filtros degradados o técnicas como HDR.

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